2013-05-22T03:13:38-04:00 Samuel Larochelle http://www.quebec.huffingtonpost.ca/author/index.php?author=samuel-larochelle Copyright 2008, HuffingtonPost.com, Inc. HuffingtonPost Blogger Feed for Samuel Larochelle Good old fashioned elbow grease. tag:www.huffingtonpost.com,2012:/theblog// 2013-05-21T10:42:18-04:00 2013-05-21T10:43:45-04:00

Samuel Larochelle http://www.huffingtonpost.com/samuel-larochelle/
« Au tout début, j’ai eu l’image d’une mère en voiture avec une ado et une jeune fille à l’arrière. L’ambiance était tendue, se souvient l’auteure. Quand je commence l’écriture d’un roman, je passe mes personnages en auditions et je fais des bouts d’essais. J’ai d’abord voulu les envoyer à New Richmond, mais ça ne fonctionnait pas. Puis, j’ai pensé au Motel Lorraine et à Martin Luther King, sur qui j’avais fait des recherches. Dans mon premier roman, un des personnages s’intéressait aux dernières citations des grands apôtres de la non-violence. Avant de se faire tuer, Luther King était sur la rambarde du motel et il a demandé aux musiciens de jouer « Precious Lord take my hand » plus tard à l’église. À ce moment-là, j’ai réalisé que le Motel Lorraine serait un endroit incroyable pour camper mon roman. »

Écrivaine instinctive, travaillant sans plan, découvrant peu à peu la nature de ses personnages, Brigitte Pilotte s’est laissé porter par les effluves historiques de l’endroit. N’ayant pas prévu que ses personnages soient Blancs ou Noirs, l’auteure a vu leurs couleurs apparaître d’elles-mêmes. « En campant mon roman à Memphis, à la fin des années 70, je ne pouvais pas ne pas tenir compte de la division raciale et de son impact sur l’histoire. J’ai eu peur jusqu’à la fin de ne pas avoir l’autorité pour écrire là-dessus, puisque je suis Blanche et que je n’ai pas vécu la ségrégation raciale. J’ai pris la chance de me casser la gueule avec un sujet difficile, mais très porteur, plutôt que d’aller vers quelque chose qui ne me stimulait pas. En littérature, je crois qu’il faut savoir s’enlever du chemin pour que nos personnages prennent le dessus. Il faut s’autoriser à dire ce qu’on a à dire. Motel Lorraine est sorti de moi. Je le revendique, avec ses qualités et ses défauts. »



Negro spiritual

Histoire aux voix multiples, Motel Lorraine invite les lecteurs à découvrir Sonia, la maman en exil, qui préfère emplir ses deux filles de friandises et de friture, plutôt que de leur offrir un accès à la moindre nourriture intellectuelle et à un lieu de vie décent. Louisiane, la jeune adolescente qui plante un glaive dans le cœur de sa mère en arrêtant de manger et qui découvre que ses nouvelles mensurations sont au goût du jour. Georgia, sa jeune sœur, grassette, mais non complexée, résignée, mais sereine, qui rêve de chanson et d’attention. Louzie, un ex-prisonnier qui profite de son appareil de photographe pour dresser un écran entre ses envies et une pédophilie condamnée. Alabama, une jeune Afro-Américaine dont la pâle noirceur et la voix cristalline attirent l’attention d’une chef de chœur et provoquent la fierté de son prospère papa. Jackie, la femme de ménage du Motel Lorraine, frère de Louzie, protectrice de Georgia et défenderesse de l’intégrité et de la justice. « Le thème central de mon histoire se résume à comment on fait pour rayonner et vivre sa vie le plus près possible de son talent et de ses aspirations, tout en affrontant les écueils de la vie. »

Loin d’être une autobiographie, l’histoire du Motel Lorraine n’en est pas moins bardée de thématiques chères au cœur de Brigitte Pilote. Prête à tout pour consacrer le reste de son existence à l’écriture, elle a fait de sa vie un exemple de simplicité volontaire et affirme qu’elle n’hésiterait pas à déménager dans une chambre de couvent s’il le fallait. « Pendant 20 ans, l’écriture de fiction a été évacuée de ma vie. Le métier d’écrivaine était incompatible avec la vraie vie, la famille, le chum et la maison en banlieue. Mais quand j’ai frappé la quarantaine, j’ai décidé de plonger et j’ai écrit mon premier roman, Mémoires d’une enfant manquée. Je veux continuer de m’y consacrer pleinement. »]]> tag:www.huffingtonpost.com,2012:/theblog// 2013-05-17T10:36:15-04:00 2013-05-17T10:49:55-04:00

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Organisé dans les Alpes suisses par la Confrérie des vignerons une fois par génération, soit à tous les 25 ans, l’événement a rend hommage aux métiers du vin et du terroir. La 11e édition de cette grande fête a été confiée au Tessinois d’origine. « Nous avons porté notre choix sur un concepteur transdisciplinaire, maîtrisant un grand nombre de sujets », a déclaré l'abbé président François Margot devant la presse à Vevey.

Les projets internationaux se poursuivent pour Finzi Pasca. Après avoir présenté la première mondiale du spectacle La Vérità à Montréal en janvier 2013, le metteur en scène prévoit suivre la production en Amérique du Sud et en Europe jusqu’à la fin de l’année.

Tenant l’affiche du Teatro Sodre de Montevideo du 2 au 11 mai dernier, La Vérità a réussi un tour de force. Alors que seuls 1 800 des 19 000 billets avaient été vendus à quelques jours de la première, les critiques favorables et le bouche-à-oreille ont permis au spectacle de remplir les 1 885 places de la salle jusqu’à la fin. Une seule supplémentaire a pu être ajoutée à l’horaire, alors que l’équipe aurait souhaité rester une semaine de plus.

La tournée de La Vérità se poursuivra tout l’été au Brésil (Porto Alegre, Curitiba, Belo Horizonte, Rio de Janeiro, Sao Paolo), avant de s’envoler vers l’Europe pour l’automne (Nevers, Lausanne, Zurich, Madrid, Budapest).
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L’importante somme d’argent servira principalement à enrichir les camps d’été à saveur artistique, en plus de faciliter l’accès à un plus grand nombre d’enfants. Au cours des cinq prochaines années, 100 nouvelles places seront créées annuellement au sein des camps artistiques du MCBAQ.

À l’été 2013, 108 jeunes âgés entre 6 et 17 ans issus des milieux populaires pourront explorer les multiples facettes de l’art, grâce aux organismes Le Pignon Bleu et le Patro Roc-Amadour, situés dans la Vieille Capitale. « Nous sommes très heureux de nous associer, non seulement à une institution muséale de renommée internationale, mais également aux organismes qui, jour après jour, soutiennent les familles de la région de Québec », a indiqué Mme Lyne Lavoie, directrice générale de la Fondation J. Armand Bombardier.

Dans les mois qui viennent, l’exposition Alfred Pellan. Le grand atelier inspirera les artistes et les artisans à préparer une expérience artistique riche et emballante pour les jeunes.

D’ici 2015, la mission première de la Fondation du MBNQ est de piloter la grande campagne de financement qui permettra la construction du futur pavillon Pierre Lassonde.
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La série documentaire 30 secondes pour changer le monde, qui portera sur 12 grands enjeux de société vus par la publicité, sera présentée à Télé-Québec cet automne; lumière sur cette nouvelle production des Éditions Infopresse.

Sida, cancer du sein, violence conjugale, sécurité routière: la série documentaire s'intéressera à autant d'enjeux sociétaux d'aujourd'hui, à leurs tabous et à leur évolution dans leurs communications, analysées par des spécialistes de l'image.

«Aujourd'hui, le rôle de la publicité et des communications va bien au-delà des produits de consommation, rappelle Arnaud Granata, vice-président et directeur des contenus des Éditions Infopresse, qui a conçu cette série. Leur influence sur des enjeux de société est majeure. Pourquoi ne parle-t-on plus du sida de la même façon aujourd'hui qu'il y a 20 ans? Pourquoi la violence conjugale est-elle toujours aussi taboue? La publicité a-t-elle joué un rôle dans l'évolution de ces causes? En écrivant la série, ce sont ces réponses que nous cherchions.»

Pour ce faire, l'équipe a interrogé près de 100 spécialistes des médias et des communications, en plus de faire le tour du Québec. Le projet s'est échelonné sur près de deux ans. Du point de vue de la réalisation, la réalisatrice Sophie Lambert, qui a notamment œuvré aux documentaires Toute une famille et Art sous enquête, à Télé-Québec, a cherché à ancrer la signature visuelle de la série dans les lieux qui évoquent les causes explorées. «Nous voulions que les lieux de tournage soient près des thématiques mises de l'avant. Ainsi, nous avons tourné dans une salle de bain ou sur un toit d'immeuble pour parler de suicide, par exemple. On souhaitait raconter une histoire et se servir de cette série, de la publicité qu'on y montre, pour parler de la détresse et de la forme qu'elle prend dans notre société.»
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« Un théâtre qui possède une seule salle, c’est comme un théâtre unijambiste, a affirmé le président-directeur général de la Maison Théâtre, Alain Grégoire. En s’associant au Prospero, nous allons présenter des spectacles de petite jauge, c’est-à-dire des œuvres livrées dans un lieu d’intimité devant un public plus restreint que celui qu’on accueille dans la grande salle depuis des années. »

Agissant à titre de complément à la salle voisine du Cégep du Vieux-Montréal, la deuxième avenue de la Maison Théâtre permettra d’offrir des créations et des productions destinées à la petite enfance. « En nous adressant spécialement aux enfants âgés entre 18 mois et 5 ans, nous allons présenter des spectacles hybrides, des premières lectures, des work in progress et plusieurs autres formes scéniques. Nous voulions donner accès au théâtre à de plus en plus d’enfants, pour enrichir leur imaginaire et décloisonner les frontières de leur esprit. »

En 30 ans d’histoire, la Maison Théâtre a accueilli 80 compagnies, vu jouer près de 600 comédiens et offert 6100 représentations, devant un peu plus de 1,5 million de spectateurs. La saison 2013-2014 se donne une fois de plus le mandat de faire battre le cœur des tout-petits avec une programmation riche en théâtre, en marionnettes, en clowns, en jeux d’ombres et en musique.

15 œuvres à l’affiche

Parmi les productions prévues la saison prochaine, notons celle de l’auteur David Paquet, récipiendaire du Prix littéraire du Gouverneur général du Canada en théâtre francophone pour sa pièce Porc-épic en 2010, et en grande partie responsable de l’inoubliable pièce 2 h 14, qui s’est emparée des planches de la Maison Théâtre l’hiver dernier. Dans Appels entrants illimités, l’auteur s’intéresse au rapport entre l’intimité et la vie extérieure, en imaginant trois jeunes colocataires qui peinent à se définir.

Dans Autopsie d’une napkin, les membres d’une famille qui ont passé leur vie à se mentir pour se protéger verront leur bulle de mensonges éclater en étant confinés dans un camping, au cours d’un été où il pleut 21 jours d’affilée. Drames, vices cachés et aspirations refoulées seront exprimés et chantés dans ce théâtre musical pour enfants.

Les préadolescents seront invités à suivre Émile, un jeune garçon qui donne rendez-vous à un père qu’il n’a jamais vraiment connu. Ému, fébrile, plein d’appréhensions, il ira à la rencontre de son aïeul dans un restaurant sur le bord de l’autoroute, afin de confronter ses rêves avec la réalité. Les Mains de mon père est le 2e volet d’une trilogie imaginée par l’auteur Serge Marois, après La Robe de ma mère.

Les grandes étapes de la vie seront racontées à travers les fables et les contes du Grand méchant loup, dont un extrait absolument charmant, drôle et débordant de candeur a été présenté lors du dévoilement de la prochaine saison. D’autres personnages classiques de la petite enfance seront revisités, alors qu’une adaptation du célèbre conte de Pinocchio verra le petit pantin rêver de richesse et de célébrité. Il sera également question des pulsions d’amour et de haine qui peuvent être ressenties entre frères et sœurs, dans une relecture étonnante de Gretel et Hansel.

Les jeunes spectateurs qui se déplaceront au Théâtre Prospero seront initiés à la sérénité de la mer dans Flots, tout ce qui brille voit, feront la connaissance d’un petit garçon transformé en poisson dans Ondin, et apprivoiseront comment habiter leur corps, leur maison, leur quartier et la planète dans Là où j’habite.

Reviens, histoire d’un petit garçon presque parfait qui rêve d’ailleurs et d’espace, est le texte de Marie-Hélène Larose-Truchon, grande gagnante de la huitième édition du concours Le théâtre jeune public et la relève.

Le reste de la programmation de la saison 2013-2014 de la Maison Théâtre est disponible ici: http://www.maisontheatre.com/.
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Samuel Larochelle http://www.huffingtonpost.com/samuel-larochelle/
Sa performance au concours montréalais lui a permis d’obtenir plusieurs contrats avec des orchestres, des maisons d’opéra et des sociétés de concerts à travers le monde. « Le grand défi pour les jeunes chanteurs est d’embarquer dans le système, mais j’ai eu la chance d’être mise sur la map rapidement, affirme-t-elle. Grâce au réseau de contacts du concours, j’ai fait plusieurs récitals en France, en Suisse, en Belgique et en Angleterre. »

Quelques années plus tard, la chanteuse a vu son destin prendre un chemin inattendu, alors qu’elle était la doublure de la superstar Natalie Dessay dans la Bohème, présentée à Paris-Bastille, en février 2012. « Puisque j’étais engagée dans la deuxième distribution, je devais être la doublure pour les huit premières représentations et chanter les deux autres. Chaque matin, Bastille m’appelait pour me dire si Natalie était en forme pour assurer le spectacle. Mais après six représentations, on m’a averti qu’elle souffrait d’une grosse laryngite et que j’allais assumer les derniers concerts. J’ai ressenti une énorme décharge d’adrénaline. C’était le moment le plus stressant de ma vie ! »

Le succès parisien

Interprétant le rôle-titre d’un opéra français célèbre, devant un public réputé pour sa culture opératique et sa sévérité, Marianne Fiset a triomphé. « Je chantais dans l’une des 10 plus grandes maisons du monde, pour des Français qui sont très fiers de leur répertoire et très chauvins quand on parle des œuvres de Massenet. Certains ont vu Manon 10 fois dans leur vie. Généralement, on sait très vite s’ils aiment ça ou non. Dès le premier salut, je n’ai eu que des bravos. Les critiques ont été très bonnes. »

Franchement moins stressée qu’à ses débuts dans le rôle à Paris, Fiset affirme que les Montréalais auront droit à une meilleure prestation que les Parisiens. « Je suis plus à l’aise avec la partition, je comprends mieux les motivations du personnage et j’ai ajouté plusieurs couches à mon interprétation. Je pense que ma performance sera plus intéressante qu’il y a un an et quelques mois. »

La découverte des plaisirs

Bien que certains perçoivent Manon comme une femme fatale et calculatrice, Marianne Fiset l’a voit plutôt comme une jeune adolescente adorable. « À 16 ans, sa famille l’envoie dans un couvent, car elle aime trop le plaisir. Un jour, elle rencontre le chevalier des Grieux, de qui elle tombe éperdument amoureuse. Ils se sauvent ensemble et découvrent le monde des sensations, le luxe, les belles tenues, les beaux bijoux et les belles coiffures. C’est une personne foncièrement amoureuse de la vie. Je la trouve très touchante. Et puis son évolution est agréable à jouer. La Manon du premier acte est complètement différente de celle du cinquième. Elle acquiert une profondeur et une connaissance de la vie fascinantes. »

Si la mise en scène de Manon à Paris visitait différentes époques (18e siècle, années 70, la période punk à Londres, les années 80 de Madonna), la version montréalaise sera beaucoup plus conventionnelle. « J’avais eu un plaisir fou dans la production parisienne, mais la mise en scène avait été très mal reçue. Dans le spectacle qu’on va jouer à Montréal, on est plus traditionnel, mais ça ne veut pas dire que ce sera ennuyant. Le metteur en scène, Brian Deedrick, nous dirige de façon très moderne. On est dans le concret et dans les émotions. Il est très exigeant dans ce qu’il veut. J’adore ça. J’ai besoin de ça. »

Trois jours après avoir donné la dernière représentation de Manon, Marianne Fiset sera du spectacle Jeanne d’Arc au bûcher, avec l’Orchestre symphonique de Montréal. En juin, elle répétera La Bohème, qu’elle présentera en concerts dans un festival en Autriche de la mi-juillet à la fin août. La soprano aura ensuite deux semaines pour changer ses bagages, avant d’interpréter Donna Elvira dans l’opéra Don Giovanni à Tours et Reims, tout l’automne. En décembre et en janvier, elle sera la première doublure de Maria Kovalevskaia au MET de New York, dans La Bohème à nouveau. Son horaire est pratiquement rempli jusqu’en 2015.



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Samuel Larochelle http://www.huffingtonpost.com/samuel-larochelle/ L’amour, la mort et le prêt-à-porter, écrite par la regrettée journaliste, scénariste, réalisatrice et écrivaine Nora Ephron, et sa sœur Delia, d’après le livre d’Ilene Beckerman.

Constituée d’une série de monologues entrecroisés, à l’image des Monologues du vagin, la pièce des sœurs Ephron place les vêtements au cœur de chacune des histoires. En faisant la démonstration que les bouts de tissus qui nous suivent au quotidien depuis le premier jour de notre vie sont intimement liés à nos souvenirs, nos choix et notre personnalité, L’amour, la mort et le prêt-à-porter décortique à peu près tout ce qui a déjà été porté par les femmes au cours des années 50, 60, 70, 80 et 90.

Tour à tour, il est question des souliers à talons hauts qui font souffrir, du choix de la robe de mariée, de la détestable sacoche remplie d’immondes surprises, de l’achat du premier soutien-gorge, de la robe de chambre post-opération, du syndrome des vêtements noirs, de la torture que représente trop souvent la salle d’essayage, de l’indécision perpétuelle face à ce qui se retrouve dans sa garde-robe, de la fois qu’une telle a porté ceci et de celle où l’autre à porter cela, etc. Chaque passage est parfaitement traduit et adapté par Danielle Lorain. On croirait que la pièce a été écrite pour le Québec, tant les références culturelles sont transposées avec habileté.

En contrepartie, l’histoire écrite par Nora et Delia Ephron se contente trop souvent de rester en surface. Parmi les moments de tendre nostalgie se trouve un ramassis d’idées entendues 1000 fois sur le rapport des femmes avec leurs vêtements. La thématique est universelle, les spectateurs réagissent à profusion, se reconnaissent et s’esclaffent à de nombreuses reprises, mais la pièce n’apporte rien de neuf sous le soleil.

La mise en scène n’ajoute pas la moindre trace d’originalité à l’ensemble : cinq chaises, cinq lutrins, cinq actrices, quelques interactions ici et là, le mur du fond rempli de mannequins sur lesquels sont projetées des images des vêtements évoqués tout au long de la pièce, et le tour est joué.

Qu’on le veuille ou non, L’amour, la mort et le prêt-à-porter s’adresse d’abord et avant tout aux femmes, et plus particulièrement aux femmes d’un certain âge. Chacun des monologues relate une anecdote associée à un vêtement féminin, porté par des femmes aujourd’hui âgées entre 40 et 70 ans. Même si les traits d’humour des sœurs Ephron risquent de capter l’intérêt de n’importe qui, on sent inévitablement un fossé se creuser si on a le malheur d’avoir moins de 40 et d’être un homme…

Les cinq actrices, Pierrette Robitaille, Valérie Blais, Geneviève Schmidt, Adèle Reinhardt et Tammy Verge sont toutes talentueuses, drôles, énergiques et attachantes, mais on quitte tout de même le Rideau-Vert avec l’impression que la pièce a duré une heure de plus que dans la réalité.
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Samuel Larochelle http://www.huffingtonpost.com/samuel-larochelle/
L’auteur s’est donné le mandat de traduire avec humour, émotions et absurdité les affres de la parentalité : ce qu’on tente de léguer à nos enfants, nos craintes, nos valeurs, nos rêves, nos obsessions. Tous les aspects de la vilaine société contre lesquels on espère protéger notre progéniture : la violence, les armes à feu, les mensonges, les sites à caractères pornographiques, la mauvaise influence des autres parents. La bulle de folie dans laquelle la maisonnée entière est plongée lorsque l’un des membres du clan attrape des poux. Les opinions particulièrement opposées d’un couple de parents sur l’héritage linguistique qu’ils lègueront à leurs enfants.

Les thématiques universelles sont très nombreuses dans la pièce, mais comme elles sont traitées, décortiquées et redécortiquées sans arrêt dans les romans, les films, les pièces, les magazines, à la radio et à la télé, un auteur ne peut se permettre autre chose qu’un point de vue original sur la question. Malheureusement pour la pièce Enfantillages, Archambault ne nous offre pratiquement rien de nouveau à nous mettre sous la dent. La plupart de ses personnages sont à ce point caricaturaux que les ressorts comiques de son écriture caustique et absurde perdent la moitié de leur effet. Certains sketchs provoquent même quelques malaises, tant le rire espéré n’est pas au rendez-vous.

En contrepartie, ses apartés aux allures de tranches de vie sont touchants, simples, vrais et fort réussis. On aurait pris plus de moments du genre. Comme on aurait aimé retrouver la ravageuse lucidité de La Société des loisirs, la vérité toute nue de 15 secondes et le talent incroyable pour raconter une histoire puissante et vulnérable dans Les Frères Laforest. Il y a trop peu de ces éléments dans Enfantillages pour en faire une réussite.

François Archambault collaborait pour la troisième fois avec les membres du Petit Théâtre du Nord, composé des comédiens Luc Bourgeois, Louise Cardinal, Sébastien Gauthier et Mélanie St-Laurent. Ces derniers nous offrent des moments de charme, de rire et de vérité, mais on n’a trop souvent l’impression qu’ils s’empêtrent dans une partition qui manque de fluidité et qu’ils se prennent les pieds dans une mise en scène au rythme déficient.

La pièce Enfantillages n’est pas un échec total. Les sourires vont et viennent. Quelques éclats de tendresse nous frôlent la joue. Le rire se faufile à l’occasion. Mais la trame de fond est inaboutie. Les différentes histoires ne volent pas haut. Et l’ensemble nous donne l’impression d’avoir affaire à du théâtre d’été. La pièce sera d’ailleurs reprise du 21 juin au 24 août prochain à Blainville…
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Samuel Larochelle http://www.huffingtonpost.com/samuel-larochelle/ Ce ne sera pas si simple, d’Annie L’Italien, a détrôné les nombreuses versions des Cinquante nuances à la tête des ventes de livres numériques chez Archambault. Le succès semble coller à cette écrivaine qui a déjà vendu près de 20 000 copies de ses deux premiers romans, Petit guide pour orgueilleuse (légèrement) repentante et Toujours orgueilleuse, mais (à peine) plus repentante.

L’histoire de Ce ne sera pas si simple tourne autour du testament inattendu de Louis-Joseph Denoncourt. Au lendemain de sa mort, sa fortune devient l’enjeu d’une chasse au trésor entre Marielle, l’épouse qu’il a cocufiée pendant des années, et Angélique, la maîtresse pour qui il n’a jamais voulu laisser sa femme. Avant de rendre l’âme, le défunt a prévu – presque – toutes les étapes de l’aventure avec son chauffeur et fidèle complice. C’est ainsi qu’il forcera sa veuve à demander l’aide d’Emma, un médium à moitié convaincu de la nature de ses pouvoirs, et d’encourager sa blonde maîtresse à recourir aux services de Jean-Simon, un détective un brin paresseux. De Montréal à Paris, en passant par New York, les quatre chasseurs d’héritage devront réinventer une partie de leur vie pour mettre la main sur le magot.

Après avoir flirté avec l’univers de la chick-lit pour ses deux premiers romans, L’Italien désirait changer de registre. «J’avais fait le tour de la question des relations hommes femmes et de la quête amoureuse», affirme-t-elle. «Mes romans précédents n’étaient pas des autobiographies, mais j’avais utilisé quelques anecdotes basées sur ma vie. Cette fois-ci, je voulais plonger dans un univers totalement inconnu, sans aucune référence. Je ne savais pas du tout où je m’en allais.»

Peu à peu sont apparus les quatre personnages centraux de son histoire: Emma, le médium récalcitrant, que l’auteure aimerait avoir comme amie. Jean-Simon, le détective taciturne, qui serait totalement son type d’homme (à son corps défendant, précise-t-elle). Marielle, une femme qui a beaucoup souffert et qui décide de rester dans son caca, dixit l’auteure. Et Angélique, la maîtresse qui a oublié comment prendre des décisions et se faire confiance, après des années à éviter de déplaire à son amant marié, de peur de le perdre.

La morale de cette histoire

En écrivant son troisième livre, Annie L’Italien souhaitait faire réfléchir les lecteurs sur leur attitude au quotidien. «Je trouve qu’en vieillissant, on accroche souvent sur des trucs négatifs qui nous rendent plates. Personnellement, j’ai peur de devenir lourde. Je réalise à quel point c’est facile de se concentrer sur le négatif pour bitcher, parce que ça fait des anecdotes tellement plus drôles à raconter. Mais j’ai peur que ça prenne trop de place dans ma vie.»

Même si ses aventures dans l’univers de la chick-lit lui ont laissé une impression péjorative du mot «légèreté», l’auteure est tout à fait consciente de la tendance souriante qu’elle a donnée à son troisième roman. «Certaines personnes m’ont parlé des deux autres livres en me disant que c’était léger, avec une forme de dégoût et de condescendance dans le visage. Mais je pense qu’il y a assez d’affaires qui nous font chier dans la vie et qu’on a le droit de vouloir rire et de ne pas s’en faire pendant quelques heures avec un livre.»

La plupart du temps, la légèreté du roman incombe au personnage d’Emma et ses dons de voyante. Un univers qu’Annie L’Italien s’est amusée à imaginer, même si elle n’y croit pas du tout. «J’ai rencontré plusieurs voyantes dans ma vie. Je voulais y croire, mais il y avait toujours quelque chose qui me faisait dire que c’était n’importe quoi. Un jour, à New York, une voyante m’a accrochée sur la rue en me disant qu’elle devait absolument me parler. Je me suis énervée en me disant qu’il se passerait peut-être quelque chose. Mais finalement, tout ce qu’elle me racontait n’avait pas de sens. Mes espoirs se sont envolés.»

Façon sympathique d’apprivoiser la mort, point de vue non complaisant, mais attendrissant du métier de médium, course effrénée vers les sommets de la croissance personnelle, lecture de détente parfaite pour l’été qui nous fait la bise depuis quelques jours, Ce ne sera pas simple est le genre de roman qu’on lit d’une traite.

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Samuel Larochelle http://www.huffingtonpost.com/samuel-larochelle/ C’est en buvant une mixture de muffin anglais, de rôtie française et de bière que les organisateurs du FRINGE Festival de Montréal ont souligné le dévoilement de leur 23e programmation, symbolisant au passage la nature de l’événement: bilingue, culturelle, audacieuse et qui ne se prend jamais au sérieux.

Du 3 au 23 juin prochain, des spectacles d’humour, de théâtre, de musique et de danse seront offerts par plus de 500 artistes du Québec, du Canada, des États-Unis, du Royaume-Uni, de l’Australie, du Japon et de l’Afrique du Sud. Fidèle à son habitude, le FRINGE n’a aucune direction artistique. Les productions sont retenues à la suite d’un tirage au sort. Aucune censure n’est tolérée. Les billets coûtent 10 $ et mois, et la totalité des profits vont aux artistes. «C’est très important pour nous de respecter l’intégrité des artistes et de ne jamais leur dire quoi faire. On prône la liberté et la diversité», explique Amy Blackmore, la directrice de l’événement.

Parmi les événements-spectacles qui sont à l’horaire, Blackmore semblait particulièrement emballée à l’idée de participer au Faux Bal des Finissants, avant de se rendre plus tard dans la nuit au No sleep ‘til waffles, sorte d’après-bal où les organisateurs serviront des gaufres aux fêtards. La directrice disait également avoir très hâte de voir Mado Lamothe et ses comparses prendre part à la 13e édition de la Course de drags. Notons également l’apparition du Kids FRINGE, une activité permettant aux adultes de faire du bricolage, des ateliers de danse créative et du théâtre, seuls ou avec leurs enfants.

Le FRINGE Festival sera également l’occasion de voir la version anglophone et francophone de My pregnant brother, de l’auteure, metteure en scène et actrice Johanna Nutter, qui agit cette année comme porte-parole de l’événement. «Je suis très excitée qu’on m’ait confié ce rôle. J’ai participé au tout premier FRINGE en 1981 et ça a changé ma vie. C’est le plus beau festival du monde! On laisse les gens essayer, prendre des risques et faire des expériences. Quelques fois, on assiste à des moments magiques!» Johanna Nutter en sait quelque chose. Depuis qu’elle a présenté Mon frère est enceinte pour la première fois au FRINGE en 2009, la jeune femme a trimballé son spectacle à travers le Canada, en Belgique, et s’apprête à le jouer au FRINGE d’Édimbourg.

Dans le lot de spectacles attendus cette année, mentionnons le No More Radio Showcase, le Dramaturkey où de jeunes comédiens tenteront de trier les pires âneries jamais écrites sur papier, l’Eco Carnavale sur la citoyenneté responsable, un concours d’épellation façon strip-poker, le Mondial du macaroni au fromage, la production Je danse en cravate bleue, une succession d’artistes de la chanson (dont Groenland, The Damn Truth, Émily Rajotte, Laurel Jackson & the Attractives, Paper Lions avec Adam Strangler, Baroque sous influence) et plusieurs autres.

Toute la programmation du FRINGE festival de Montréal 2013 est disponible ici: montrealfringe.ca/fr/fringe-2013
]]> tag:www.huffingtonpost.com,2012:/theblog// 2013-05-06T16:14:52-04:00 2013-05-06T17:01:27-04:00

Samuel Larochelle http://www.huffingtonpost.com/samuel-larochelle/
Lors du travail d’adaptation de Sainte-Carmen, Daniel Bélanger a choisi de s’éloigner du folk et des mélodies fort bien tournées des Belles-Sœurs. Misant sur l’audace et l’originalité, le compositeur a enveloppé les mots de Tremblay dans un mélange de gospel, de chant religieux, de chanson à texte, et d’une trame de fond métallique, grise et trash digne de la Main. Si ses choix rappellent avec cohérence la faune iconoclaste du boulevard Saint-Laurent et l’atmosphère glauque des lieux, ils sont loin de donner envie aux spectateurs de s’acheter l’album et de fredonner les chansons.

Bien que certains titres offrent des moments magnifiques durant le spectacle, la majorité des pièces manquent de fluidité. On sent la mécanique, on entend le texte théâtral qui a servi à construire des chansons et on réalise bien vite qu’il y a des limites au nombre de mots qu’un interprète peut chanter par phrasé. Malgré le talent manifeste des musiciens et des acteurs-chanteurs pour livrer les différents morceaux, la musique ne coule tout simplement pas de source.

Au-delà de l’aspect musical à moitié réussi, Le Chant de Sainte-Carmen de la Main offre au public une soirée mémorable. Le chœur est composé d’une variété rafraîchissante de personnages en tous genres : travestis, prostitués, gais, lesbiennes, jeunes et vieux. Colorés, drôles, dynamiques, incarnés et débordant de vérité, chacun des acteurs apporte sa force à l’ensemble.

Normand D’Amour livre avec brio son personnage de manipulateur obnubilé par les profits. Évelyne Gélinas est franchement attachante dans son rôle de Bec-de-lièvre. Maude Guérin est une fois de plus grandiose et magistrale, en allant puiser dans les registres de la lumière et de la mélancolie avec un doigté dont elle seule a le secret: sa Carmen est à la fois puissante, fragile, criblée de doutes et pleine de détermination. L’actrice démontre d’ailleurs à quel point sa voix chantée s’est embellie et raffinée depuis Frères de Sang en 2006 et Belles-Sœurs en 2009, même si on l’entend bien peu chanter durant le spectacle.

Elle aussi trop peu présente, France Castel est la véritable star de la soirée. En interprétant Gloria, une vedette déchue qui vibre encore aux sons des bongos de Miami Beach, l’actrice offre un personnage hilarant, punché et brûlant de vérité, en plus de chanter avec un talent indéniable pour mettre tous les spectateurs dans sa poche. Sa prestation est à couper le souffle!

Le Chant de Sainte-Carmen de la Main est également l’occasion de découvrir ou de redécouvrir l’un des grands textes de Michel Tremblay. Symbolisant avec une acuité et une lucidité fascinante un Québec qui tarde à croire en lui et à prendre les rênes de sa destinée, l’histoire de la Main est à la fois touchante, provocante, drôle et brillante.
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Samuel Larochelle http://www.huffingtonpost.com/samuel-larochelle/
Après avoir obtenu ses diplômes en arts visuels et en photographie au Cégep du Vieux-Montréal, Coutu-Dumont est parti vivre à New York. « À la seconde où j’ai terminé mes études, j’étais dans l’autobus. J’avais une écoeurantite aiguë de la photo. J’avais envie de retourner vers le dessin et les arts visuels. Là-bas, j’ai travaillé environ un an et demi dans un hôtel-boutique, j’ai rencontré plusieurs artistes et j’ai beaucoup exposé. »

Depuis son retour dans la métropole, le Québécois collabore avec Mutek et Geodezik, en plus de voir ses projets personnels se déployer un peu partout dans le monde. Son solo Long Jeux/LP a été diffusé par WIR Gallery à Berlin en 2009, son exposition Sketches of Synchronicity a tourné au Canada en 2009-2010, il a participé à plusieurs expositions collectives au Canada, aux États-Unis, au Mexique et en Belgique, et il a été sélectionné pour la 8e édition de Flash Forward – Emerging Photographers actuellement en circulation à Londres, Portland et Toronto.



Showbizz, pyramides et science-fiction

Dans l’exposition Wonders of A Transcient Universe, Gabriel Coutu-Dumont explore le langage visuel de l’univers musical. « Je me suis inspiré de plusieurs images accumulées sur des productions vidéos. À un moment donné, j’étais dans un aréna en plein milieu de la nuit, j’ai levé la tête de mon ordinateur et j’avais l’impression d’être dans un endroit où je ne comprenais pas ce qui se passe, un peu comme en science-fiction. J’ai eu envie de représenter l’univers musical, avec ses codes et ses signifiants, pour arriver à l’apprivoiser. »

Composé de photographies, de sculptures et de gravures, l’exposition s’incarne dans une multitude d’œuvres iconoclastes, allant de l’onde sonore représentée par un miroir, de la collision entre une étoile et une scène de spectacle, et d’une pyramide évoquant la piédestalisation des vedettes de la chanson. « Lors des spectacles à grand déploiement, une seule personne est éclairée, devant 60 000 personnes qui la glorifient. J’avais envie d’évoquer la période de l’empire égyptien, où les prêtres étaient en quelque sorte des techniciens qui utilisaient toutes les méthodes de l’époque pour glorifier les Pharaons. La sculpture rappelle la pyramide de Khéops. C’est un axe plus philosophique de l’exposition. »

Les badauds de Glasgow

En ce qui concerne The Way of the Willows, les photographies de Gabriel Coutu-Dumont sont à l’avant-plan. Habitué de concentrer ses énergies sur les objets et leur finition, l’artiste a cette fois laissé toute la place aux humains captés sur pellicule. « C’est la première fois depuis 10 ans que l’une de mes expositions est uniquement consacrée à la photo, sans forme installative. En voyant que les sujets de mes photos étaient hyper chargés de sens, j’ai priorisé un mode de présentation neutre et épuré. »

Les 75 clichés qui se retrouvent à la Galerie Donald Browne ont été réalisés sur la rue Sauchiehall – « allée des saules » en gaélique – à Glasgow, en Écosse. Accompagné de plusieurs complices, le photographe arrêtait les gens en pleine rue, entre 22 h et 4 h du matin, et les invitait à une séance éclair. « Le projet est né alors que je prenais une bière avec le photographe écossais Brian Sweeny et qu’on observait la foule du nightlife. C’était une période où je faisais des recherches sur l’âge d’or de la peinture hollandaise. J’aimais son côté austère et les visages qui flottent dans une tâche de lumière. J’ai eu envie d’extraire les gens qu’on voyait passer sur la rue et de les transposer dans ce monde-là, à l’époque de Rembrandt. »

Royauté et fin de soirée

Puisque Coutu-Dumont et ses acolytes travaillaient très tard, ils ont croisé plusieurs personnes saoules et un peu maganées. « Le but n’était pas de se foutre de leur gueule. On les invitait à jouer le jeu de la pose royale et très rigide. On les sortait de l’action en les déracinant et en les installant dans un endroit sans musique, avec un éclairage très sombre. Il y avait un mélange d’absence d’inhibition et de calme. »

Parmi les badauds de la rue Sauchiehall qui ont été photographiés avec une attitude royale appartenant à un autre temps, on retrouve une jeune fille aux cheveux roses, un homme habillé d’une robe et de bas résille, une évocation de Jésus sous une capuche, un mélange de Kate Middleton et de Sarah Brightman, une jeune femme criblée de tatous et plusieurs autres personnages fascinants.

Wonders of A Transient Universe - 4 au 25 mai 2013
Centre Phi
407, rue Saint-Pierre, Montréal
514.225.0525
www.centre-phi.com

The Way of the Willows - 4 mai au 15 juin 2013
Galerie Donald Browne
372 rue Sainte-Catherine Ouest, ch. 528, Montréal
514.380.3221
www.galeriedonaldbrowne.com ]]> tag:www.huffingtonpost.com,2013:/thenewswire//2.3204053 2013-05-02T17:26:38-04:00 2013-05-02T17:52:57-04:00

Samuel Larochelle http://www.huffingtonpost.com/samuel-larochelle/ Sherlock Holmes, la vedette hollywoodienne Jay Baruchel s'est présentée avec un chandail aux couleurs des Canadiens de Montréal, à quelques heures du début de la série éliminatoire les opposant aux Sénateurs d'Ottawa. Fier partisan du CH, l'acteur devra cependant manquer plusieurs matchs des Glorieux, lui qui montera sur les planches du Centre Segal dès le 5 mai.

Apparu au cinéma dans Almost Famous, Million Dollar Baby, Knocked up, Just Buried, The Trotsky, The Good Neighbours, Goon et Cosmopolis, Jay Baruchel n'est pas reconnu pour ses prouesses théâtrales. « J'avais 17 ans la dernière fois que j'ai joué sur scène et j'en ai aujourd'hui 31 ! Je ne vais pas mentir: l'idée de faire du théâtre est aussi excitante qu'épeurante. Je suis très nerveux. Non seulement je ne suis pas monté sur les planches depuis longtemps, mais je suis entouré de gens pour qui c'est un métier. Chacun d'entre eux m'a aidé à devenir meilleur. »

L'expérience revêt un cachet particulier pour Baruchel, puisque l'aventure se déroule dans un théâtre près de chez lui, dans Notre-Dame-de-Grâce. « Je ne peux pas vous dire à quel point c'est agréable de travailler à la maison. J'ai l'habitude de quitter la ville et même le pays pour aller tourner. Mais cette fois, je me réveille dans mon propre lit et je conduis ma voiture pour aller répéter. C'est ici que j'ai grandi, et c'est ici que je veux vivre le reste de ma vie. Montréal est le seul endroit où je me soucie de ce que les gens pensent de moi. »

L'idée de voir Jay Baruchel sur les planches du Centre Segal germait dans la tête du directeur artistique, Paul Flicker, depuis un moment. « L'année dernière, je regardais The Trotsky à la télé, et je me suis dit qu'il fallait travailler avec Jay. J'ai envoyé un courriel à sa mère, qui lui a transféré, et j'ai pu lui envoyer quelques pièces. Quand nous nous sommes rencontrés, il m'a répondu qu'il aimait l'ensemble des pièces, mais que Sherlock Holmes l'attirait beaucoup plus que les autres », a-t-il mentionné.

Le personnage est un grand coup de cœur pour l'acteur. « Sherlock Holmes est intellectuellement supérieur, un peu weird, excentrique et marginal, mais il trouve toujours le moyen de faire son chemin. C'est l'un des personnages les plus cool que j'ai joués.»

Écrite par Greg Kramer, qui est décédé la veille du premier jour de répétitions, la pièce de théâtre conserve l'essence du célèbre personnage inventé par Sir Arthur Conan Doyle. « C'est impossible de faire abstraction des nombreuses productions qui ont été faites au cours des dernières décennies, mais Kramer n'a pas voulu copier ce qui s'est fait auparavant. Son but était d'aller dans une nouvelle direction, mais sans trahir l'œuvre originale », explique le metteur en scène Andrew Shaver.

EN VIDÉO:

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Samuel Larochelle http://www.huffingtonpost.com/samuel-larochelle/ Timber!, leur spectacle de bûcherons circassiens follement divertissant, la famille Carabinier s’installera au prestigieux Southbank Centre de Londres pour 23 spectacles cet été, avant de filer vers Taïwan.

Tout a commencé à St-Alphonse-Rodriguez, lorsque Julie et Antoine Carabinier ont découvert les plaisirs du cirque et du spectacle aux côtés de leur père. Quelques années plus tard, Antoine a étudié à l’École Nationale de Cirque, Julie a complété une formation en danse contemporaine à LADMII, et les deux se sont rejoints dans une compagnie de cirque en Suisse. Là-bas, Julie a rencontré Jonathan Casaubon, ami de longue date du frérot, et en est tombée amoureuse. À eux trois, ils cumulent des expériences avec le Cirque Éloize, les 7 Doigts de la main et le Cirque du Soleil. Aujourd’hui, c’est au tour de leur compagnie de se faire un nom à l’échelle internationale.

Prochain arrêt, le prestigieux Southbank Centre, au cœur de la capitale anglaise, du 10 au 31 juillet 2013, dans le cadre du Festival of Neighbourhood. « Être accueillis dans le plus grand et le plus influent lieu de diffusion de Londres dépasse nos rêves les plus fous, avoue le directeur artistique de la compagnie, Antoine Carabinier-Lépine dans un communiqué. On était loin d’imaginer ça possible lorsqu’on créait le spectacle, il y a deux ans, dans la grange de mes parents ! »

Si les échanges entre les artistes et le monologue du patriarche sont interprétés en anglais, les chansons sont fredonnées en français, avec sous-titre en anglais. « C’est une formule qui nous permet de communiquer plus intimement avec les spectateurs tout en leur offrant une version intègre de notre univers artistique », soutient-il.

Après l’incursion du Cirque Alfonse dans un univers majoritairement anglophone, la troupe québécoise fera ses premiers pas en Asie, avec 3 représentations au Festival des Arts de Taipei, à Taïwan, du 23 au 25 août.

L’automne prochain, Timber! retournera séduire l’Europe, après avoir conquis près de 12 000 spectateurs de 7 villes suisses et françaises, en février dernier. En octobre et en novembre 2013, la famille Carabinier se produira en France, en Belgique et en Suède.

« On avait l’intuition qu’en célébrant nos racines et notre identité avec authenticité et créativité, on arriverait à toucher les gens partout dans le monde et pas seulement au Québec », affirme Julie Carabinier-Lépine. L’accueil chaleureux qu’a reçu Timber!, aussi bien en Europe qu’ici, nous confirme qu’on a eu raison de miser sur ce qu’on est, tout simplement ».
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Samuel Larochelle http://www.huffingtonpost.com/samuel-larochelle/
En septembre prochain, la saison prendra son envol avec le tandem formé par Hélène Bourgeois-Leclerc et Patrice Robitaille, dans La Vénus au vison. D’abord connue sous forme de roman et de film (Élizabeth Taylor y tenait le rôle principal), la pièce de David Ives plongera les spectateurs dans l’univers des auditions d’une pièce théâtre. En pleine recherche de celle qui pourra jouer dans son œuvre, un jeune dramaturge et metteur en scène fera la rencontre d’une actrice qui l’obligera à mettre en question sa perception des personnages. Peu à peu, à ligne entre la fiction et la réalité sera de plus difficiles à tracer. « C’est la grande question au théâtre : comment ne pas franchir la ligne qui sépare les personnages de nous-mêmes, les comédiens, lance Michel Dumont. Comment faire pour rentrer chez soi, alors qu’on vit le personnage, ses colères, ses peurs, à travers nos propres émotions ? L’auteur de la pièce explore la question de la sexualité et du pouvoir que l’on a les uns sur les autres. » Michel Poirier assure la mise en scène, alors que Maryse Warda se charge de la traduction.

 





Le voyage théâtral se poursuivra avec la 40e création de Duceppe, La Traversée de la mer intérieure, un texte de Jean-Rock Gaudreault. Histoire d’amour sur fond politique, la pièce mise en scène par Monique Duceppe s’intéresse au sort de Rosaire Bouchard, 70 ans, ancien député de Roberval et ex-maire de Péribonka. Après le décès de sa femme, l’homme revisitera tous les lieux où ils sont allés lors de leur voyage de noces. À son retour, le septuagénaire voudra replonger en politique, en se présentant pour un parti qui ne veut pas de lui. Avec Michel Dumont, Marc Legault, Pauline Martin et Pierre-François Legendre, la pièce est un symbole de la quête intérieure dans laquelle plongent plusieurs hommes et femmes à un certain stade de leur vie.

Duceppe affrontera le froideur de décembre et de janvier avec L’Esprit de famille, une pièce d’Éric d’Assous, adaptée par Michel Tremblay et mise en scène par Monique Duceppe à nouveau. « Trois frères se rencontrent pour une crémaillère, accompagnés de leurs épouses. Le bonheur est en place. Jusqu’à ce qu’une fille, que les trois hommes ont connue plus que bien… débarque sur les lieux. Ce sera la panique chez les hommes et la suspicion chez les femmes. C’est très drôle ! On aurait pu en faire une tragédie, mais en mettant la pédale juste un peu plus lourde, on arrive à en faire une comédie avec une matière profondément dramatique. Ici, ce ne sont pas les portes qui claquent, mais les mots. Ça va faire plaisir au public », avance Michel Dumont. La distribution comprend entre autres Catherine-Anne Toupin, Anne Casabonne et Linda Sorgini.

Fidèle collaboratrice chez Duceppe, Catherine-Anne Toupin n’aura que quelques jours de repos avant de remonter sur scène dans Sunderland, mise en scène par Serge Postigo. « La pièce se passe dans une petite ville du nord de l’Angleterre, où l’ont dit que le football et la bière sont la meilleure drogue contre le chômage, raconte Dumont. On suit le personnage de Sally, une femme qui se retrouve sans emploi après que l’usine de la ville ait cessé ses opérations, et qui se fait menacer de se faire enlever sa petite sœur autiste si elle ne trouve pas de travail. Un peu comme la pièce Du bon monde, qui a beaucoup touché le public à l’automne 2012, Sunderland nous montre des personnages qui sont devant rien, mais qui refusent d’être des victimes. Ça m’émeut beaucoup de présenter des gens qui résistent et qui gardent espoir malgré tout ce qui peut arriver.»

La saison se conclura avec un incontournable, Les Liaisons dangereuses, mise en scène et traduites par Serge Denoncourt, avec Julie Le Breton, Éric Bruneau, Magalie Lépine-Blondeau et Annick Bergeron parmi les membres de la distribution. « Ici, on entre dans un monde verni avec la façade impeccable. Derrière le paraître, se cache des histoires de libertinage, de destruction et du plaisir maladif de la conquête. C’est une pièce très intelligente sur le chantage, la manipulation et la sexualité pervertie. C’est une vision presque apocalyptique et infernale du pouvoir de la séduction. »

40 ans d’histoire

Fidèle à son habitude, Duceppe partira en tournée avec Les Peintres du charbon, en parcourant 21 villes du Québec durant l’automne. Encore aujourd’hui, Michel Dumont réitère l’importance des tournées théâtrales en province. « Moi, je suis devenu acteur parce que certaines compagnies sont venues nous voir à Jonquière quand j’étais jeune. Dans certains cas, si on ne va pas voir les gens chez eux, ils ne viendront pas nous voir à Montréal. Le théâtre est fait pour que les humains se sentent moins seuls. On a des choses à leur dire. »

En garantissant au moins 30 représentations par pièce, dans une salle pouvant contenir 747 personnes, Duceppe est le théâtre qui offre le plus de représentations par production au Québec. Depuis 40 ans, l’institution a rejoint plus de 6 millions de spectateurs. Aux yeux de Michel Dumont, la popularité du théâtre n’a pourtant rien de simple ou de facile. « Un théâtre populaire, ça se crée, ça se mérite et ça se travaille d’année en année. Quand j’entends certaines personnes dire que c’est facile de remplir notre salle, parce qu’on fait du théâtre populaire, je n’en reviens pas. On en prend des risques. Nos 40 créations québécoises sont toutes des risques. Croyez-moi, il n’y a aucune recette dans le théâtre. Si on touche autant de monde, il doit y avoir quelque chose. »

Injustice financière

Ironiquement, Duceppe reçoit 12,4 % moins de subventions gouvernementales que les autres organismes de théâtre et en arts du cirque de Montréal, ce qui représente un manque à gagner de 589 275 $. « Nous demandons l’équité avec les autres institutions depuis toujours. Duceppe est sur la corde raide. Nous ne sommes pas en déficit, mais on le frôle. Avec les coûts de production qui augmentent, l’offre culturelle qui grossit et les subventions qui diminuent, l’équilibre financier est très difficile à maintenir. On a l’impression que la culture n’a aucun intérêt dans les budgets du gouvernement, comme si nous étions laissés pour compte », allègue Louise Duceppe, directrice générale.

Avec 10 000 abonnés en 2012, dont 40 % le sont depuis plus de 20 ans, Duceppe dépend largement des revenus de la billetterie. En 2013, le théâtre subit encore les contrecoups associés aux rénovations dans le quartier des spectacles. « C’était Beyrouth pendant trois ans ! Il n’y avait presque pas de portes d’entrée principales à la Place des Arts. Avec un contexte comme celui-là, on a senti une grande défection du public au niveau du centre-ville. On doit travailler pour y ramener les Montréalais », assure Mme Duceppe.

Comme toutes institutions culturelles, Duceppe fait face à un défi majeur : le renouvellement de son public. « Il y a du travail à faire pour aller chercher les jeunes avec de nouvelles méthodes de promotion, allègue Johanne Brunet, directrice des communications. On va aller dans le métro pour de l’affichage, faire de la publicité dans de nouveaux types de médias, utiliser davantage les réseaux sociaux. On a nos devoirs à faire. Il faut accepter de faire les choses différemment. »]]>